Je dis «nouvelle», mais c’est véritablement un retour au passé qu’Antoine applique à son travail. Remettant au goût du jour un procédé vieux de 150 ans, le collodion, il saisit des sujet actuels, et met aujourd’hui sa pratique au service de la mode.

C’est cet aspect en particulier que nous vous présentons aujourd’hui avec Rosae Rubae. En collaboration avec le studio Gaowei & Xinzhan, le photographe shoote leur saison printemps/été 2013 sous forme d’ambrotypes, délivrant ainsi une série troublante, où seul le sujet et les pièces nous rappellent à notre époque. Le nom de l’éditorial étant celui d’un temple utilisé au XIX siècle (époque originelle du collodion) par l’occulte Ordre Hermétique de l’Aube Dorée, le cadre se pose pour de bon.

Eric Antoine va bien plus loin que ce retro à la mode, décliné de toutes les façons, jusqu’au non-sens. Son travail est une recherche de fond, le reflet de convictions. Il se retrouve dans ce procédé long, qui prend son temps, du temps de pose au développement.

Une éloge de la lenteur, du souvenir, de la curiosité aussi.

Pour en savoir plus sur le photographe : ☞

Eric Antoine’s life choices inspired him a new practice of his photography. Having traded the city for the countryside, the buildings for nature’s landscapes, he eventually started to question the instantaneity of images, and of their process.

I say «new», but it’s a true trip to the past that Antoine applies on his work. Renewing a 150 years old process, the collodion, he catches current subjects,  and focuses now on fashion.

That side of his creation is what we display today with Rosae Rubae. Teaming up with the Gaowei & Xinzhan studio, the photographer shoots their spring/summer 2013 collection in the form of ambrotyps, delivering a confusing series, in which the subjects and the pieces are the only clues of our time. The editorial’s name being the one of a temple used in the 19th century (the original era of collodion) by the occult Hermetic Order of the Golden Dawn, the frame is set for good.

Eric Antoine goes way further than this fashionable retro we know, declined in every way, making no sens anymore. His work is a deep research, the reflection of convictions. It’s based on a long process, which takes its time, from the pose to the development.

An eulogy of slowness, memories, and curiosity.

To learn more about the photographer : ☞

Texte : Guillaume Ferrand

RETROUVER L’INTERVIEW COMPLETE DANS NOTRE NUMERO « REBORN/RESURRECTION » / FIND THE WHOLE INTERVIEW IN OUR « REBORN/RESURRECTION » ISSUE

Qu’est-ce qui t’a amené au design d’objets ?

Je pense que c’est le bon format pour moi. J’aime réfléchir au mobilier et aux objets qui nous entourent et à la façon dont nous les utilisons chez nous. J’aime prêter attention à l’atmosphère que dégagent les objets et à leur connection à nos vies, nos personnalités et nos sensations.

Designer des objets, c’est parfait ; passer du temps sur les détails, réfléchir aux fonctionnalités, ce sont des choses que j’adore

What drove you to objects design ?

I feel it is the right scale for me. I like to think about furniture and objects surrounding us and how we use them in our homes. I like considering the atmosphere of the individual pieces and their connection to our lives, personalities and feelings. Designing objects is perfect ; spending time with their details, wondering about functions, these are aspects which make me excited.

Tes créations sont principalement tournées vers la nature. Tu crées des objets qui fonctionnent en harmonie avec les plantes, toujours très fonctionnels, esthétiques et généralement faits de bois. Quelle est ta relation à la nature ? Pourquoi est-ce si important pour toi ?

Cela peut sembler cliché, mais la nature est une de mes inspirations principales. J’aime faire des recherches sur l’interaction entre les gens et la nature, comme elle prend part de nos vies et nos environnements domestiques, comme cela change, ou pas, au fur et à mesure du temps, pourquoi nous aimons travailler avec les matériaux qu’elle nous offre, et comment nous transformons les détails typologiques. Une chaise sera toujours une chaise, depuis combien de siècles avons-nous utilisé des chaises en bois ? La vie continue, mais à quel point une chaise a changé ? Nous sommes connectés à la nature, nous évoluons dans un monde physique. J’aime développer cette connection pour moi-même. J’aime travailler avec ces processus en cours, les transformer ou les révéler afin de créer quelque chose de nouveau.Même si je l’espère depuis des années, j’aime savoir que dans la plupart des cas, les créations retrouveront leurs cycles naturels.

Your creations are mainly turned to nature. You create objects to work in harmony with plants, all very functional, very aesthetic and generally made of wood in the same time. What is your relation to nature ? Why is it so important for you ?

This might be a cliché answer, but nature is the primary inspiration. I like to research how people interract with nature, how this enters our lives and domestic environments, how this changes and doesn’t change through the ages, how we like to work with the materials nature provides, and how we transform typological details. A chair has always been a chair, for how many centuries have we had wooden chairs ? Life goes on, but how much has a chair changed ? We are connected to nature, we dwell in a physical realm. I like to develop this connection in myself. I like to work with these ongoing processes, transform or reveal the process to create something new. While I hope this is many years from now, I like knowing that in most cases the works will re-enter their natural cycles.

Nous souhaitions présenter ton travail dans ce numéro «Reborn/Resurrection» parce que l’idée est basée sur les artistes et designers qui utilisent un objet, ou une matière dans ton cas, qui existent déjà, afin d’en faire quelque chose de nouveau et différent. Est-ce une idée à laquelle tu réfléchis quand tu crées un nouvel objet ? Que penses-tu de cette idée de «re-»création à propos de ton processus créatif ?

Même si je cherche toujours à créer quelque chose à partir d’un matériau existant, je ne me concentre pas sur l’idée de «re-» création. Je me focalise plutôt sur la recherche de matières et sur le fait de rester vraie par rapport à un concept. Chaque travail a un processus différent, qui doit toujours contenir un message, mais aussi une bonne esthétique, et une fonctionnalité. Tout ces éléments doivent être liés et chaque partie doit être simple et claire. Parfois ça me provoque des maux de tête.

Mais en pensant à ces deux mots, et à l’idée de renaissance/résurrection, je me rends compte que cela colle à mon travail. L’aspect naturel de toutes ces créations provient de la condition naturelle de la matière (la graine, l’énérgie, la naissance, la mort). La Terre est ronde, donc le début et la fin finissent toujours par se rejoindre.

We wanted to feature your work in this «Reborn/resurrection» issue because the idea is based on artists and designers who use an already existing object, or matter in your case, to create something new and different out of it. Is it an idea you think of when you design a new project ? What do you think of this idea of « re- »creation when it comes to your creative process ?

While I always want to try something new on any given material, I do not insist on the idea of «re-»creation. I insist on research of material and being true to concept. Each work has a different process, which must always hold a message, while I try to create an aesthetically pleasing, functional object. All this must be connected and each individual part must be clear and unified. Sometimes it’s a headache. 

But as I consider these two words, as I reflect on reborn/resurrection, the words do fit to the works. The natural aspect of all creation holds within it the process of all natural materials (seed, energy, growth, death). The Earth is round, so the beginning and end always meet.

Si nous avons perdu la plupart des images réalisées cette saison après la mort de notre disque dur, l’enregistrement de cette visite est lui sain et sauf, et nous sommes à présent en mesure de vous présenter la collection homme.

Dans l’ambiance feutrée d’un showroom au parquet craquant, la voix douce des designers nous fait découvrir, de portant en portant, l’ensemble des nouvelles pièces. C’est Greg, en charge de la ligne homme, qui nous en décrit les différents éléments.

La collection est abordée comme un vestiaire à la fois masculin et mixte, empruntant à l’homme des pièces pouvant aller aux femmes, et vice-versa. L’inspiration militaire, très dure, s’équilibre par contraste avec des notions de douceur et de sensualité, principalement apportées par les choix de matières.

C’est ce qui fait l’identité de la marque, depuis toujours, offrant à sa clientèle une continuité dépassant le format des saisons, la frénésie des calendriers. Cette valorisation du format plutôt que du genre se base toujours sur des contrastes, des références et des choix de coupes tout à fait distinctifs.

Cette année, une nouvelle ligne de tailoring vient augmenter l’offre de JEANPAULKNOTT. Plus classique et intemporelle, elle se mélange cependant au sportswear, en zippant toutes les vestes de costumes par exemple, pour figurer un homme moderne. La collection se décline ainsi en trois parties, le tailoring donc, le coton lavé et les pièces plus « classiques », emblématiques de la marque.

Le jeu des oppositions s’installe sur l’ensemble des vêtements. Nous découvrons ainsi des t-shirts oversize, dont la partie avant est faite de jersey quand le dos est en coton, un costume classique rehaussé d’une immense écharpe en mohair, une chemise en coton, matière dure s’il en est, dont le col se pare de satin de soie, des blousons réversibles zippés, aux épaules carrées tirées des costumes… À chaque fois, des subtilités incroyables font surface, des pièces constituées de matières différents mais teintes en une seule fois, chaque partie réagissant à sa manière, une écharpe-capuche dont la fabrication oppose le rêche et la douceur sur un même objet, par simple travail de la matière, créant aussi un jeu de motifs quasi-accidentel, des mailles de fils mélangés… C’est un jeu entre utilitaire et luxe, coton et cachemire, rudesse et douceur.

Le pont permanent entre féminin et masculin se signe finalement par des pièces directement empruntées à la collection femme et réadaptées, comme un pantalon sarouel, ou même des baggies élastiqués en coton, à la fourche basse.

Enfin, comme chaque année, la marque a collaboré avec un artiste, pour des pièces en quantité extrêmement limitées, toutes peintes et signées à la main, à même la matière. Pour cette saison, le camouflage militaire est réinterprété en larges touches de peintures apposées sur des vêtements en coton uni blanc, appelant aussi l’idée de l’habit d’artiste, d’abord vierge puis sali par les heures de pratique.

Une collection extrêmement bien pensée donc, toute en subtilité, qui ose et qui réinterprète, en restant fidèle à l’identité des créateurs. Chaque pièce est un éclat, on les désire, on voudrait les porter, les collectionner et les sentir contre soi tout en même temps.

Une magnifique réussite.

It’s in January, during the Paris Fashion week, that we met Jean-Paul Knott and Greg Van Rijck, the two designers behind the brand, for the second year.

If we lost most of our images shot this season after our hard drive passed out, the voice recording of this meeting is safe, and we’re now able to tell you a bit about the Homme collection.

In the hushed atmosphere of a cracking-wooden floor showroom, the designers’ sweet voices introduce us to the new pieces, from a stand to another. Greg, in charge of the menswear line, describes the different elements.

The collection must be seen as a both male and mixed cloakroom, borrowing the men some pieces that could fit women, and vice versa. The military inspiration, very tough, is balanced by contrast, with some notions of sweetness and sensuality, mainly brought by the choice of fabrics.

That’s what the brand’s identity is built on, since the beginning, offering its customers a continuity beyond the seasons frame, the calendars frenzy. This idea of a form more valued than any kind of gender is always based on absolutely distinctive contrasts, references and cutting choices.

This year, a new line of tailoring increases the JEANPAULKNOTT’s offer. More classical and timeless, it’s however mixed up with sportswear, by zipping all the suits’ jackets for example, to sketch up a modern man. The collection is declined in three parts, the tailoring as we said, the cotton washed-pieces, and the more «classical» ones, emblems of the brand.

The opposition game can be found in all the clothes. This is how we discover oversize t-shirts made of jersey on the front and cotton on the back, a classical suit highlighted by a gigantic mohair scarf (trust me, it’s gigantic), a cotton shirt, a rough matter contrasted by a satin-silk collar, some reversible and zipped jackets, with square shoulders drawn from the suits’ codes… Everytime, some incredible subtleties come out, such as those pieces built on different fabrics but all dyed as one, each part reacting uniquely, a hood-scarf opposing roughness and sweetness through the fabrication process, thanks to the simple fabrics’ treatment, also creating a nearly accidental prints contrast, some knitwear made of mixed threads… It’s a game between utility and luxury, cotton and cashmere, harshness and smoothness.

The never-ending link between femininity and masculinity is at last signed by pieces directly drawn from the women collection, like the sarouel pants, or even the elasticated baggies with low forks.

Finally, like every year, the brand collaborated with an artist to create some extremely limited pieces, all painted and signed by hand directly on the matter. For the season, military camo is reinterpreted in large touches of paint on plain white cotton clothes, also reminding the artist’s uniform, first clean, then dirtied  by the practice.

This is an extremely well thought collection, very subtle, daring and reinterpreting, while staying true to the designer’s identity. Each piece is a spark, we desire them, want to wear them, to collect them and feel them against us all at once.

An amazing success.

Text et scans : Guillaume Ferrand

Soulland, première marque menswear à obtenir les droits d’utilisation des dessins originaux, a lancé  sa collection Soulland meets Babar chez Colette le 3 avril dernier, avec un t-shirt pour hommes et un pour femmes, et un tote bag. Le reste de la ligne se compose de chemises « Oxford », de t-shirts, d’un sweatshirt et de shorts tous réhaussés d’imprimés all-over.

Le tout sera disponible chez Opening Ceremony (New York, Los Angeles), Goodhood (London), Hunting & Collecting (Brussels), Soto (Berlin), Voo (Berlin), et d’autres boutiques à venir.

The king Babar, a character created by Jean de Brunhoff in 1931, has always been a style reference for men in suits. A first hint of « sprezzatura » for all the little boys.

Soulland, first menswear brand licensed to use the old original art works, launched its collection Soulland meets Babar at Colette on 3rd of April 2013, with t-shirts for men and women, and a tote bag. The  complete line is also made of classic button-down « Oxford » shirts, t-shirts, a sweatshirt and shorts, all highlighted with all-over prints.

www.shop.soulland.com

Texte : Guillaume Ferrand

J’aimerais aller droit au but. Ton travail est à la fois simple et clairement structuré par de nombreux sens différents, utilisant souvent des matériaux simples pour communiquer des images très fortes. Alors que certaines de tes productions sont faciles à comprendre, et sont en interaction avec le spectateur, comme Infinite Ladder, d’autres sont fait de différentes étapes conceptuelles, et je pense qu’il est impossible pour toi d’en recevoir une réaction unique et concrète. Donc, que cherches-tu à communiquer dans ton travail ? Y a-t-il un fil rouge liant tes différents projets ? Des idées majeures, ou des concepts, que l’on peut retrouver dans toutes tes pièces ?

Mon travail tire beaucoup des matières que j’utilise. J’ai souvent recours à des objets et les combine avec d’autres matériaux bruts. Je me retrouve à expérimenter et à apprendre de nouvelles techniques à quasiment chaque nouveau projet. La création de moisissure est une part importante de mon processus en ce moment, je vois ça comme une extension du ready-made. Pour moi, mon utilisation particulière du ready-made sert de point de départ à la compréhension de mon travail.

Un autre des fils parcourant mon travail est une relecture de l’idée de spiritualité. J’associe souvent des icônes spirituelles de façon à ce qu’elles créent, culturellement et simultanément, une nouvelle identité et efface la précédente. Je crois qu’il y a beaucoup de bonnes choses à tirer de la spiritualité, mais c’est trop souvent teinté d’une image religieuse. J’aime voir l’art comme un «substitut de religion» permettant de redonner à la société certains aspects bénéfiques de la spiritualité, pour le faire resurgir dans mon travail.

La façon la plus simple d’expliquer mon travail est d’emprunter une idée des Structuralistes. Les Structuralistes pensaient que tout est signe — les mots, les images, les lieux, les gens, etc. Ils croyaient qu’un signe tire son sens des signes qui l’entourent, et dans ma pratique, je revisite la connexion entre les signes et les objets que j’utilise.

I’d like to deep straight in the subject. Your work is both clear and obviously full of different meanings, using often simple mediums to translate strong images. While some of your works are easy to get, and interact with the viewer, like Infinite Ladder, some others are made of different conceptual layers, and I guess it’s nearly impossible for you to expect an unique, concrete reaction. So, what do you try to convey through your work ? Is there a red thread running through your different projects ? Main ideas, or concept, we can find in each one of your pieces ? 

My work is very grounded in the materials that I use.  I often use found objects and combine them with other raw materials. I find myself experimenting and learning new techniques with almost every project. Mold-making is big part of my process lately, I see it as an extension of the ready-made.  For me, my particular use of the ready-made acts as an entrance to understanding the work. 

Another thread within my work is a remixed idea of spirituality.  I often pair spiritual icons in a way that mixes them up culturally and simultaneously creates a new identity and erases the previous identity of them. I believe there is a lot of good that comes out of spirituality, but it is often tainted by religions and churches. I like to think of art as a “surrogate religion” that can restore some of the benefits of spirituality to society, so it re-occurs in my work.

The easiest way for me to explain the connection in my work is to borrow an idea from the Structuralists. The Structuralists believed that everything is a sign — words, images, places, people, etc. They believed that a sign derived its meaning from the surrounding signs and in my practice I rearrange the nexus of signs surrounding the objects I employ.

Le spectateur est-il important pour toi ? Crées-tu en y pensant ?

Le spectateur est très important pour moi. L’art est communication. Qu’est-ce que l’art sans les spectateurs ? Lorsque je produis, je pense à la façon dont le public peut comprendre les matériaux que j’utilise, et cela m’aide à être efficace dans ce que je cherche à communiquer. Je veux que le spectateur se retrouve dans mon travail mais mes attentes en matière d’expérience du spectateur ne dictent pas l’ensemble de mon processus créatif. Utiliser des sens et des interprétations provenant de la conscience collective fait partie du fait de vivre en société, et je ne vois pas comment l’art pourrait en être exclu. Il est donc impossible pour moi de créer sans penser au spectateur.

Is the viewer important to you ? Do you create with this in mind ?

The viewer is very important to me. Art is about communication. What is art without the viewer ? When making work I think about how an audience may interpret the materials I am using and it helps me to be more effective in what I am trying to express. I want the viewer to relate to the work but my assumptions of the viewers experience do not dictate the process entirely. Using meanings and interpretations that are created by collective consciousness is part of living in society and I do not see how art could be excluded from this. Thus it is impossible for me to create without the audience in mind.

Comment abordes-tu le concept d’espace ? Sachant que tu crées beaucoup de pièces en 3D, je suppose que cela fait partie de ton processus créatif ?

Je pense souvent à l’espace en me penchant sur l’objet qui l’occupe. En utilisant des objets appropriés, je réfléchis à leur fonction première, leur utilité et leur contexte. Je me pose beaucoup de questions au travers de mon processus, comme par exemple «est-ce que cet objet est fait pour rester dehors ?», ou «Cet objet est-il une extension de la forme humaine ?», ou encore «Un objet permet-il une plus grande conscience de l’environnement ?».

Je viens de terminer une pièce utilisant un ballon d’air chaud miniature, et lorsque je travaillais dessus je réfléchissais aux différents stades opérationnels d’un ballon d’air chaud, comment cela se traduit en forme humaine et comment l’exposer. Pour moi, penser à l’espace fait partie intégrante de la création d’objets, et la relation du spectateur à cela est un élément évident du processus.

How do you approach the concept of space ? Since you create a lot of 3D pieces, I guess it’s part of your creative process ?

I usually think about space in relation to how an object occupies it. When using appropriated objects, I think of the original use of the object in relation to its purpose and context. I consider many questions throughout my process, for example «is the object something that usually lives outside ?», or «is the object an extension of the human form ?», or «does an object create a higher awareness of the environment ?». 

I just finished a piece that uses a miniature hot air balloon, so when working with it I think about the operational stages of a hot air balloon and how it translates to the human form and an exhibition setting. For me, thinking of space is an intrinsic quality to object-making and the viewers relationship to that is an integral element in this process.

Ce numéro s’appelle «Reborn/Resurrection» parce que nous pensons que cela colle avec les artistes que nous avons choisi d’y présenter, d’une façon ou d’une autre. Dans ton cas, le fait que tu réutilises des objets du quotidien, comme une échelle, ou un néon, afin de créer quelque chose et d’y donner un nouveau sens, une nouvelle fonction, collait parfaitement au thème. Est-ce que tu es d’accord avec ça ? Que penses-tu de cette idée, cela fonctionne-t-il avec ton travail, ou pas du tout ?

Oui, je pense que mon travail colle bien avec le thème de ce numéro. J’ai beaucoup de mal avec la stagnation, donc je cherche continuellement le sens dans le fait de renaître. Je suis conscient de toutes les connections et nouvelles interprétations que je fais par l’utilisation du ready-made ou même d’icônes culturelles, comme Apollon par exemple. Je veux travailler sur la contemporanéité, mais en relation avec l’histoire, actuelle ou plus ancienne. Si on s’intéresse aux périodes historiques considérées comme la renaissance de quelque chose, ces cultures sont aussi associées avec de nouveaux développements et réinterprétations esthétiques, stylistiques, de design, etc, et je cherche à m’identifier à ça dans mon processus.

This issue is called «Reborn/Resurrection» because we think it matches with all the artists we chose to interview in it, in a way or another. In your case, the fact that you re-use everyday objects, such as a ladder, or a neon, to create something out of it, and give it a new sense, a new function, was absolutely fitting with this theme. Do you agree with it ? What do you think of this idea, does it apply to your work, or not at all ?  

Yes, I would agree that my work fits well with the theme of the issue. I have a hard time with stagnation, so I am continually seeking a sense of being reborn. I am conscious of all of the connections and new interpretations that I make through the use of the ready-made or even cultural icons, like Apollo for example.  I want to make work about contemporaneity, but contemporaneity in relation to distant and recent histories.   If you look at historical periods that have been labeled as a renaissance or rebirth of a sort, these cultures are also associated with new developments or reinterpretation of aesthetics, style, design, etc, and I try to identify with that in my process.

FOR THE WHOLE SERIES AND A LOT MORE CONTENT, READ OUR LAST ISSUE « REBORN/RESURRECTION » !

Avec Alba Prat pourtant, l’histoire semble durer. Interviewée dans notre Minimalist Issue, elle venait de présenter à l’époque sa collection de diplôme. Déjà mature, avant-gardiste, nous avions aimé l’utilisation des matériaux et de la 3D, encore très peu réputée.

Quelques saisons plus tard, nous retrouvons la créatrice berlinoise, et son travail nous plaît toujours autant.

Sa collection printemps/été 2013, Syn chron, a tout ce que nous recherchons. Elle démontre une continuité, les créations évoluant à chaque fois, tout en incarnant l’identité d’Alba, déjà bien définie. Elle se base sur un concept réel, se construit à partir d’une recherche et d’une démarche, fait référence.

La jeune créatrice s’est inspirée de l’oeuvre de l’artiste allemand Carsten Nicolai. Entre art et science, il développe une esthétique de la précision, passant par la sculpture et l’installation. C’est son étude des phénomènes sonores, la question récurrente de ce qui est vu et entendu, qui a poussé Alba Prat à enregistrer les battements de son coeur dans deux situations différentes, et à les transposer numériquement en formes abstraites, créant la base des imprimés, et l’ambiance de la collection.

Celle-ci se décline donc sous forme de basiques minimalistes et aiguisés, animés de couleurs vives, comme le bleu électrique ou le rose fuschia. Les coupes sont droites, allongées, vont droit au but. Apparaissent ensuite les imprimés, parfois ombrés ou découpés dans la matière, à l’instar de ce sweat shirt perforé, semblant évoquer la partition du rythme cardiaque de la créatrice. L’utilisation de techniques de pointe, comme la coupe au lazer, contribue à placer la designer dans une réel contemporanéité.

Alba Prat décline donc une mode intelligente. Une mode que nous aimons vraiment. Qui comprend son histoire, et contribue à son renouveau, en se référant à des univers, des techniques et des concepts sortant du simple champ du vêtement.

Et en cela, elle incarne une des raisons d’exister de notre magazine.

We rarely fall for womenswear. It has to contain the creativity and the reinterpretation that we like with male fashion designers, and it doesn’t happen a lot.

With Alba Prat however, the story seems to be solid. When we interviewed her for our Minimalist Issue, she was just done with her graduation collection. Already mature, avant-gardist, we liked the use of fabrics and 3D, still slightly known at that time.

A few seasons later, we focus again on the Berlin creator, and her work keeps touching us.

Her spring/summer 2013 collection, Syn chron, has everything we look for. It shows a continuity, the creations evolving from a season to another, while always being incarnated with Alba’s identity, already well defined. She bases her designs on a real concept, built from a research and an approach, always refering.

The young designer found inspiration in the work of German artist Carsten Nicolai. Between art and science, he spreads an aesthetic of precision, going from sculpture to installation. It’s his study of sound phenomenas, the recurring question of what is heard and seen, that gave Alba the idea to record her heartbeats in two different situations, and transpose them digitally in abstract forms, resulting in what became the base for the collection’s prints and mood.

Declined in different minimalist and sharp basics, it’s animated with bright colours, such as electric blue and fuchsia pink. The straight, elongated cuts, go straight to the point. Then come the prints, sometimes ombre or marked in the fabric itself, like the perforated sweat shirt that seems to evoke the partition of the designer’s cardiac rate. The use of modern technics, as the laser cutter, helps to settle the designer in a real contemporaneity.

We can say Alba Prat makes a clever fashion. A fashion we really love. Which understands its history, and contributes to its renewing, by refering to universes, technics and concepts larger than the strict field of clothes.

And in that way, she embodies one of the reasons this magazine has to exist.

Texte : Guillaume Ferrand

Images : Amos Fricke

Vous êtes-vous déjà posé la question de ce que vous aimiez autant chez Norse Projects ? Moi oui.

Depuis le lancement de sa première collection en 2009, la marque développe une mode qui invente son époque. L’apparente simplicité des pièces, répondant à des références street et workwear, faites pour tout type de situations, se construit en réalité autour de choix de coupes et de détails frappant toujours juste. Chaque élément comprend les tendances, les assimile, les fait sienne.

Norse Projects est une marque contemporaine. Elle est l’image de ce que l’on considère un «basic» aujourd’hui. L’invisible association de classiques et de codes n’ayant pas encore été assimilés par le consommateur moyen génère l’envie.

Bref, l’Europe du nord a encore tout compris.

Cette collection printemps/été 2013 ne déroge pas à la règle. Encore une fois, des pièces pour tous, des plus timides aux plus pointus. Des chemises à fleurs, ou au motif camo génialement revisité (le seul vrai moyen de conserver cette grosse tendance #menswear de 2012, clairement trop vue et déclinée), des mailles classiques aux couleurs chaudes, et des accessoires encore peu développés par les autres grands noms du «streetwear de luxe», comme le bob, marquant pourtant déjà son grand retour grâce aux tarés du hip-hop, Earl Sweatshirt en tête.

Dans tous les shops que vous aimez, et sur internet. Mais dépêchez vous.

Did you already wonder why you love Norse Projects so much ? I did.

Since the launch of its first collection in 2009, the brand develops a fashion inventing its generation. The visible pieces’ simplicity, matching street and workwear references, made for every kind of situation, is in fact built with cuts and details that aim straight. Each element understands the trends, assimilate and turn them into their own.

Norse Projects is a contemporary brand. It is the representation of what we see as a «basic» nowadays. The invisible association of classics and codes that haven’t been digested yet by the average consumer generate the envy.

Anyway, Northern countries get it damn right.

This spring/summer 2013 collection doesn’t waive the rule. One time again, the pieces are made for everyone, from the shyest to the sharpest. Flower shirts, or awesomely revisited camo prints (the only real way to keep this huge #menswear 2012 trend, obviously overseen and declined), classic knitwear with warm colours, and accessories still lightly developped by the other «luxurious streetwear» big names, such as the sun hat, while it’s making its big come back with hip-hop mentals, Earl Sweatshirt in the lead.

Available in every shop you love, and on the Internet. But hurry up.

Texte et montage : Guillaume Ferrand

ESSER/Vesper est une marque de parures réalisées à la main, en toute petite série, rendant chaque élément différent des autres, unique par sa conception même. La créatrice aime à parler d’objets d’arts plus que de bijoux, tant le thème courant tout le long de son travail est important.

C’est l’innocence, celle de l’esthétique et de la simplicité, révélée par opposition, grâce au travail du bronze, du bois, de la porcelaine, de l’argent, de l’or ou de l’azurite. Une fois taillés, affinés, fondus, sculptés, ces matériaux laissent apparaître leur noblesse et font l’objet, plutôt que de n’en être qu’un composant.

Ainsi en est-il des colliers Like Relics, basés sur les fragments d’os trouvés dans le désert par Laurel au cours de randonnées, qu’elle produit ensuite en porcelaine, pour leur donner cet aspect intemporel, à la fois future et passé.

Il semblerait que ce soit ce qui importe chez ESSER/Vesper. Après tout, les plus beaux objets sont ceux qui traversent les âges.

Laurel Hill conceives objects based on a complex process, playing between matters and concepts. One layer after the other, she develops numerous contrasts, either raw or sensitive, for a rigorous result.

ESSER/Vesper is a brand of handmade fineries, made in very limited series, making each element different from the other, unique by its own design. The designer likes to call them art objects more than jewels, as the theme running through the wole body of work is important.

This is the innocence that matters, innocence of aesthetic and simplicity, revealed by opposition, thanks to the crafts of bronze, wood, porcelain, silver, gold or azurite. Once casted, refined, melted, sculpted, those materials let their nobility appear and make the object, instead of being only one of its components.

It’s the case with the Like Relics necklaces, based on pieces of bones found in the desert by Laurel during hikes, and then produced in porcelain, to give them this timeless aspect, and place them in the future, in the present and in the past.

It seems that this is what matters for ESSER/Vesper. After all, greatest objects are the ones living through ages.

Texte : Guillaume Ferrand